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miércoles, 26 de febrero de 2014

El Antonio Machado más actual, en el 75º aniversario de su muerte por FLOR GRAGERA DE LEÓN y MARGOT MOLINA (El País)

Una serie de homenajes recuerda al poeta. En el Ateneo de Madrid se presenta un video inédito y la primera entrega de la reedición de su obra


Antonio Machado, fotografiado hacia 1927 por Alfonso.
La fatalidad del destino se fue tejiendo en aquellos últimos días de la vida del poeta Antonio Machado. Pero los homenajes que se le rinden por el 75 aniversario de su muerte (22 de febrero) demuestran que está más vivo que nunca y que dejó mucho para celebrar. El hombre que dio profundidad inolvidable a los campos de Castilla sufrió apenas un mes de exilio en el pueblito francés de Colliure cuando ya la causa republicana estaba casi perdida, por la inminente ocupación de Barcelona. La España franquista trató de borrar las huellas que había dejado en la cultura y la enseñanza. Pero no tuvo éxito. Si Machado fue el poeta del abandono y la ausencia, se hace muy visible y presente en los homenajes con motivo del aniversario de su fallecimiento en Madrid, Andalucía, Segovia y en Soria. El acto central será en Colliure este fin de semana.
En el Ateneo de Madrid, al que el sevillano estuvo muy ligado y donde conoció a personajes centrales para su arte, se talla su recuerdo este viernes con un acto en el que participan Leonor, la sobrina del poeta, con el que convivió cuando era niña; una mujer ahora ya nonagenaria con energías para hablar de su tío. El actor José Sacristán dará voz a sus versos, mientras suena la música de la violonchelista Aurora Martínez Piqué. El hispanista Ian Gibson, estudioso de Machado, explicará su obra.
“Antonio Machado es más símbolo que nunca porque preconiza la España de la rabia y de la idea”, asegura un entusiasmado Miguel Losada, del Ateneo, organizador de un evento que por el éxito de su convocatoria prevé que dejará a más de uno sin sitio. Y eso que son 400 los asientos del espléndido salón de actos de la institución. Un batallón de poetas venidos de distintos puntos de la geografía recitarán durante dos minutos versos del autor de Soledades. Veteranos y más jóvenes poetas españoles confluyen en el acto: desde Juan Carlos Mestre, Ana Rossetti, Javier Lostalé, Angelina Gatell, Ángel Guinda a Jordi Doce, María Antonia Ortega, Balbina Prior, Ángel Rodríguez Abad… “Antonio Machado se ha asociado con la Transición y con las canciones de Serrat, ¡pero es un mundo! Lo bonito es una visión plural…”. Que hayan sido invitados poetas jóvenes va en pro también de esa amplitud de miras sobre su obra.
Juan Carlos Mestre, Premio Nacional de Poesía 2009, usa las palabras como un preciso cincel para hablar de por qué la literatura de Antonio Machado sigue vigente para que se le recuerde en este aniversario: “Es la profunda imantación ética de la dignidad humana que pervive [en sus versos]”. Él no se decide por ninguno para hablar de la frescura de su literatura: “Sus libros de poemas son una asamblea republicana de voces; no cabe elegir a ningún ciudadano”.


Antonio Machado visto por Schiammarella.
"Palacio, buen amigo,/ ¿está la primavera / vistiendo ya las ramas de los chopos/ del río y los caminos? En la estepa/ del alto Duero, Primavera tarda,/ ¡pero es tan bella y dulce cuando llega!..."
Estos son los primeros versos de A José María Palacio, que el poeta Jordi Doce recitará en el homenaje a Machado en el Ateneo. “Su poesía sigue siendo actual por su ejemplo vital, la palabra cordial, accesible, exigente, como un gran poeta pensador…”. Porque Antonio Machado es poeta, pero también, según Doce, un hombre de ejemplo cívico.

Imágenes inéditas

Unas potentes imágenes que aparecen en un vídeo inédito procedente de los Archivos de la Cinemateca Rusa forman también parte del homenaje, rescatado de los noticiarios de la guerra y el único documento en que se estampa la imagen cinematográfica de otro grande de las letras, César Vallejo. Antonio Machado aparece entre León Felipe, César Vallejo, el novelista André Malraux o la fotógrafa Gerda Taro, veinte días antes que esta muriera por accidente en un repliegue del ejército republicano. En la Valencia de 1937 se celebra el Congreso de Intelectuales Antifascistas, una gran reunión de personas que se comprometieron con la causa republicana. “En esta España de ahora que parece que ni siente ni padece es bonito recordar a Machado”, sostiene Losada, que destaca la emoción como ingrediente principal del homenaje.
En el Ateneo y por Machado se presenta la nueva edición de Soledades, galerías y otros poemas (Ediciones Machadianas), primera entrega de lo que supone la reedición de todas las obras de los hermanos Machado, entre los que hay numerosos inéditos de obras de teatro que hicieron Antonio y Manuel al alimón.

Andalucía piensa en Machado

MARGOT MOLINA
Más que la conmemoración de su muerte, parece que don Antonio celebrará su cumpleaños. El Ayuntamiento de Sevilla, su ciudad, obsequiará a Machado con una estatua obra del madrileño Julio López Hernández. Un regalo que recibe con 23 años de retraso, ya que el Ayuntamiento encargó el proyecto al escultor, miembro del llamado realismo madrileño, en 1991. La obra llegará el 27 de marzo a Sevilla y el alcalde, Juan Ignacio Zoido, está en conversaciones con la Casa de Alba para colocarla a la entrada del palacio de Dueñas, donde nació el poeta.
Toda Andalucía recuerda al poeta, con una obra más vinculada a su tierra que su propia biografía, pero la celebración más especial se concentra en Baeza (Jaén), donde el poeta fue profesor de francés durante siete años en el Instituto santísima Trinidad. Allí, en la misma aula en la que ejercía su magisterio, se han vuelto a oír sus poemas dentro de la Semana Machadiana. El Centro Andaluz de las Letras ha organizado también para este domingo paseos por los lugares que frecuentó Machada y la proyección del documental El largo viaje a Sevilla, de Antonio Ramos Espejos, que narra la vida de Ana Ruiz, la madre de los Machado, que se unió a su hijo en su huida y compartió su destino.
El consejero de Cultura, Luciano Alonso, asistirá al acto central del homenaje a Colliure (Francia), ciudad en la que falleció el poeta el 22 de febrero de 1939, que se celebrará los días 22 y 23 de febrero organizado por la Fundación Antonio Machado en el sur de Francia.
En su ciudad, la que tan bien reflejó en sus poemas, la Biblioteca Pública infanta Elena acoge una lectura en la que participarán los poetas María Sanz, Edith Checa, José María Gómez Valero, Rosa Díaz, Pablo del Barco y Ángel Leiva, entre otros. Todos pondrán voz a los poemas de Antonio Machado. Y se proyectará el capítulo de Retratos, un documental biográfico dirigido por Paco Cervantes, que profundiza en el autor de Soledades a través de su historia y su obra.
Pero en la capital andaluza además de exposiciones, documentales y lecturas, también podrán oírse los versos de Campos de Castillainterpretados por actores, a través de PoetiCAL, el mapa de los sonidos poéticos de Andalucía, en el palacio de las Dueñas. El proyecto –que también funciona estos días en Málaga- une arte y nuevas tecnologías y permite al público acceder a través del móvil y de forma gratuita a ficheros audiovisuales con poemas leídos por sus autores en determinados espacios.
Málaga inaugura este viernes la muestra 75 años de Collioure. Colección Unicaja Manuscritos de los Hermanos Machado, una selección de manuscritos originales de los hermanos Machado pertenecientes a la colección de Unicaja que la entidad financiera adquirió a sus herederos en una subasta pública en Sevilla en 2003. La muestra estará abierta hasta el 14 de Marzo en la sala de Acera de la Marina. El escritor y comisario de la exposición, Antonio Rodríguez Almodóvar, y el escritor Rafael Ballesteros ofrecerán también este viernes la conferencia Las enseñanzas de unos Manuscritos.
En Córdoba, además de la lectura de poemas en la Biblioteca Pública, ofrecerá el documental biográfico Al encuentro con Antonio Machado, una obra con banda sonora de sus propios poemas adaptados al flamenco y dirigida por José Luis Hernández Rojo.

domingo, 7 de julio de 2013

Julio Cortázar: Rayuela (la contranovela) en Tertulia Porvenir XXI



"... La aparición de Rayuela en 1963 conmocionó el panorama cultural de su tiempo y supuso una verdadera revolución en la narrativa en lengua castellana: por primera vez un escritor llevaba hasta las últimas consecuencias la voluntad de transgredir el orden tradicional de una historia y el lenguaje para contarla. Cortázar empieza por proponer un acercamiento activo al libro y ofrece varias posibilidades de lectura: el lector ha de decidir. Después lo lleva a dos lugares distintos. «Del lado de allá», París, la relación de Oliveira y la Maga, el club de la serpiente, el primer descenso de Horacio a los infiernos; y «Del lado de acá», Buenos Aires, el encuentro de Tráveler y Talita, el circo, el manicomio, el segundo descenso. La novela tiene un total de 155 capítulos, que pueden ser leídos de diferente forma: a la lectura tradicional, es decir, empezando por la primera página y siguiendo el físico del texto hasta llegar al capítulo 56, y además el Tablero de dirección propone una lectura completamente distinta, saltando y alternando capítulos.
Para el funcionamiento de este conjunto semiótico, Cortázar diseña un programa narrativo, una estrategia innovadora vinculados con los procesos anteriores de ruptura. El primer eslabón son los Chants de Maldoror, del Conde de Lautréamont, con la adaptación de este principio dislocador: «No tener miedo al encuentro fortuito (que no lo será) de un paraguas y una máquina de coser en una mesa de disección». El Ulysses de James Joyce, citado varias veces por el novelista argentino, es otro modelo imitado: Horacio Oliveira recuerda los itinerarios de Leopoldo Bloom por el laberinto urbano dublinés y sus descontroladas fluencias psíquicas.Otra revelación es Alfred Jarry; precursor del surrealismo y del teatrodel absurdo. Más efectiva es la influencia del surrealismo. Cortázar alude a Eluard y Clével; se impresiona con la lectura de Opium, de Cocteau. Pero, sobre todo, utiliza a André Breton e incorpora a Rayuela algunos de sus procedimientos estructurales y psíquicos: -la inconexión, la ruptura del orden, la des construcción estructural.
No es posible hablar del argumento de Rayuela sin caer en inevitables reduccionismos que nos alejan del sentido de la obra, ya que lo relevante de esta novela no es lo intrincado o novedoso de la trama, sino el vasto universo psicológico de cada personaje y la relación que, desde este universo, establecen con el amor, la muerte, los celos y el arte.
La primera parte, Del lado de allá nos cuenta la vida de Horacio Oliveira, un argentino durante su estancia en París y la relación que tiene con la Maga, además de su grupo de amigos que forman el Club de la Serpiente, con los que entablan memorables conversaciones y discusiones que nos entregan la visión de Cortázar sobre diferentes aspectos del arte en la vida y de la vida en el arte, simultáneamente.
La segunda, Del lado de acá, el regreso de Oliveira a Buenos Aires, donde vive con su antigua novia; allí pasa largas horas con sus amigos Traveller y Talita; en el primero se ve a sí mismo antes de partir, en la segunda ve a la Maga, inolvidable y siempre presente.
Finalmente De otros lados, que agrupa materiales heterogéneos: complementos de la historia anterior, recortes de periódico, citas de libros y textos autocríticos atribuidos a Morelli, un viejo escritor (alter ego de Cortázar). Estas páginas, si bien en ocasiones se relacionan con los capítulos que las preceden, muchas veces no son más que estímulos imprecisos que Cortázar nos presenta para ayudarnos de alguna forma a alejarnos de la linealidad clásica de la literatura y sumergirnos en subtextos y subtextos de subtextos.
En su fondo y en su forma, Rayuela reivindica la importancia del lector y hasta cierta forma lo empuja a una actividad y protagonismo negado por la novela clásica en la que éste era llevado por la linealidad de una historia en la que lo más importante era «lo que pasaría al final». En Rayuela el argumento no importa o sólo importa en tanto es el escenario en que los personajes habitan y se desenvuelven, en una libre y profunda vitalidad que el autor les otorga y de la que él mismo dice no hacerse responsable. Lo que plantea este libro es la negación de la cotidianidad, para poder abrirse a otras realidades, donde las situaciones más absurdas se toman con total ligereza hasta lo más trágico es, tal vez, tomado con sentido del humor. Estos caminos que se plantean, y son un camino más para llegar al cielo de la Rayuela.
Muchos críticos se refieren a Rayuela como una antinovela, por el carácter innovador, ya que rompe con todos los cánones preestablecidos en la época de su edición. Sin embargo, no puede decirse lo mismo por parte del autor. Cortázar afirma en una entrevista que el término «antinovela» le parece una «tentativa un poco venenosa de destruir a la novela como género» por lo que prefiere el término contranovela. Cortázar busca con esta obra «ver de otra manera el contacto entre la novela y el lector», incitando a éste a que modifique su actitud pasiva frente a la obra, para tomar parte activa y crítica..."

Esta reseña es extracto y compendio de otras que se relacionan:
http://ruc.udc.es/dspace/bitstream/2183/8566/1/CC-05art11ocr.pdf

miércoles, 5 de junio de 2013

Federico García Lorca recita su bella poesía en Google

ABC.ES / MADRID

Día 05/06/2013 - 09.12h

El famoso buscador rinde homenaje al genial poeta de la «Generación del 27» en el 115 aniversario de su nacimiento

Un 5 de junio, pero de 1898, nacía en Granada Federico García Lorca, quizá el poeta más influyente y popular de la literatura española del siglo XX, al que hoy Google rinde homenaje con su último doodle.
A lomos de un caballo, un hombre y una mujer cruzan un bosque que conduce al internauta a la búsqueda del nombre de este autor de obras como Romancero gitano o Poeta en Nueva York, emblema de la Generación del 27.
El 115 aniversario de este gran poeta y dramaturgo también se celebrará en su ciudad natal, donde hoy volverá a sonar su histórico piano con motivo del programa conocido como 'Cinco a las cinco', que organiza la Diputación de Granada. Será a las 21,00 horas en el Museo-Casa Natal del poeta, en Fuente Vaqueros (Granada), donde el instrumento, recuperado ex profeso, será tocado por el pianista Antonio Camarero que acompañará con música de Manuel de Falla la lectura de poemas de García Lorca y de Antonio Carvajal en la voz de Juan Carlos Friebe.
Precisamente antes de esta actuación musical, Carvajal, Premio Nacional de Poesía por 'El girasol flotante', recibirá el Pozo de Plata, con el que se reconoce anualmente a aquellas figuras que se han destacado en la difusión del universo lorquiano.
Ya a las 21,30 horas, tendrá lugar la inauguración de la exposición 'Patrimonio Lorquiano. La Colección de Fuente Vaqueros', acto tras el que se ofrecerá la tradicional limonada con hierbabuena a los asistentes.
Además, desde este martes ya puede disfrutarse en la misma casa natal de la exposición 'Un poeta reunido', que toma su nombre del artículo publicado por Antonio Gallego Morell en 1955 en ABC sobre la primera edición de las 'Obras Completas' de García Lorca, y recoge todo el material que atesorara Arturo del Hoyo en la preparación de esta publicación. Esta documentación ha sido donada por el investigador Aitor Larrabide a la Casa Natal de Fuente Vaqueros.
En la muestra se encontrarán documentos del propio Lorca como manuscritos, dibujos, fotografías y partituras, y además otros de amigos de Federico que también han enriquecido el patrimonio que tiene la Diputación Provincial en el Patronato García Lorca, según señalaba en la rueda de prensa de presentación del 'Cinco a las cinco' el diputado provincial de Cultura, José Antonio González Alcalá.

El balcón abierto en Nueva York

«Si muero, dejad el balcón abierto», escribió Federico García Lorca en su poema «Despedida». Ayer, la comunidad cultural de Nueva York, entre ellos la cantante Patti Smith, y los poetas John Giorno y Tracy K. Smith, se asomaron a su obra y a su vida desde la Biblioteca Pública de la ciudad.
Coincidiendo con la muestra «Back Tomorrow / Federico García Lorca / Poet in New York», los versos del granadino volvieron a sonar en la ciudad donde Lorca «con nosotros y como nosotros, encontró un nuevo principio», dijo desde el comisario de la exposición en la víspera del 115 aniversario del nacimiento del poeta, según recoge Efe.
Sobre principios y finales versó el acto de homenaje al autor de «Yerma» o «La casa de Bernarda Alba» en el teatro, pero en Nueva York, ante todo, poeta. Y si todo arrancaba con «Las morillas de Jaén» sonando como en 1930 con la voz de La Argentinita, se bajaba el telón con el espíritu punk de Patti Smith plegada al romancero gitano.
«Los telones se cierran pero están abiertos (...) Un tiro. Un muerto. Ese no es el final de nuestro poeta», dijo la cantante, quien interpretó acompañada por una simple guitarra la canción «Wing» y «Beneath the Southern Cross», entrelazadas con el poema de «Navidad en el Hudson» o sus recuerdos en Granada, cuando vio la guitarra española de García Lorca.
Antes que ella habían pasado por el escenario y reconocido la influencia que el poeta español había jugado en sus obras varios literatos. Philip Levine, ganador del «National Book Award» en 1991, lo recordaba a través de los poemas que le dedicó su compañero Rafael Alberti.
O la ganadora del Pulitzer, Tracy K. Smith, que embrujada por el «duende» de García Lorca había titulado con esta palabra algunos de sus versos, que leyó ante la audiencia para más tarde recitar a dúo junto a Paul Muldoon nuevas rimas y el poema "Muerte".
La ruptura de la solemnidad llegó gracias a John Giorno, que a las influencias poéticas lorquianas sumaba también una vida rodeado de Andy Warhol, William Borroughs o Robert Mapplethorpe, además de la propia Patti Smith. Aunque dijo que quería leer su poema «Lorca, Please Help Me», reconoció que se lo había dejado en casa y desembocó en una divertida performance en la que recreaba un discurso políticamente incorrecto para su 70 cumpleaños.
Y en un acto consagrado a los versos del poeta fusilado durante la Guerra Civil el 19 de agosto de 1936, por fin se escuchó el español de la mano de su sobrina, Laura García Lorca, quien eligió, entre otros, el «Poema del joven», para volver a recitar aquello de «quiero morirme siendo / siendo amanecer / quiero morirme siendo / siendo ayer».

jueves, 28 de marzo de 2013

"Recuerdos de Miguel Hernández" por Winston Manrique Sabogal


MiguelhernandezElpais

De El rayo que no cesa
Me llamo barro aunque Miguel me llame.
Barro es mi profesión y mi destino
que mancha con su lengua cuanto lame.
Soy un triste instrumento del camino.
Soy una lengua dulcemente infame
a los pies que idolatro pegada.
Como un nocturno buey de agua y barbecho
que quiere ser critatura idolatrada,
embisto a tus zapatos y a sus alrededores,
y hecho de alfombras y de besos hecho
tu talón que me injuria beso y siembro de flores. (...)
Hoy hace 71 años murió Miguel Hernández, con tan solo 31 años, en la enfermería de la prisión de Alicante. Su condena a muerte durante el franquismo ha llegado a la ONU. Dramaturgo y poeta español que cantó a la vida y a la libertad:
VIENTOS DEL PUEBLO ME LLEVAN
Vientos del pueblo me llevan,
vientos del pueblo me arrastran,
me esparcen el corazón
y me aventan la garganta.

Los bueyes doblan la frente,
impotentemente mansa,
delante de los castigos:
los leones la levantan
y al mismo tiempo castigan
con su clamorosa zarpa.
No soy de un pueblo de bueyes,
que soy de un pueblo que embargan
yacimientos de leones,
desfiladeros de águilas
y cordilleras de toros
con el orgullo en el asta.
Nunca medraron los bueyes
en los páramos de España. (...)
Cantando espero a la muerte,
que hay de ruiseñores que cantan
encima de los fusiles
y en medio de las batallas.
El suyo fue un pensamiento claro frente a la democracia y contra el autoritarismo, la fuerza y la injusticia, la Guerra Civil. Una de las tantas ideas de este poeta de quien en 2010 se conmemoró el centenario de su nacimiento en Orihuela (Alicante). Hernández falleció de tuberculosis el 28 de marzo de 1942 en el Reformatorio de Adultos de Alicante tras haber padecido un calvario de persecusión por parte del franquismo, pues estuvo en varias prisiones por haber defendido la República. (Artículos sobre Miguel Hernández en EL PAÍS)
Un buen momento para rendir homenaje a este gran poeta. Los invito a recordar y compartir algunos de los poemas o versos de Miguel Hernández.

sábado, 22 de septiembre de 2012

viernes, 13 de julio de 2012

Luis Cernuda: a los setenta años de la publicación de Ocnos


Uno de los grandes líricos de la Generación del 27

Luís Martínez González
18:00h Martes, 10 de julio de 2012






Aunque posteriormente completaría el libro con nuevas ediciones, se cumplen ahora setenta años desde que el sevillano Luis Cernuda (1902-1963) publicara su primera redacción de ‘Ocnos’ (1942), un libro de prosa poéticabellísimo que evoca su infancia y primera juventud en su ciudad natal –donde, por cierto, recibió clases de Pedro Salinas- con gran añoranza. Es, por tanto, un buen momento para recordar la figura lírica de un poeta absolutamenteoriginal.
Luis Cernuda rememora en 'Ocnos' su infancia en Sevilla (en la foto)
Luis Cernuda rememora en 'Ocnos' su infancia sevillana (en la foto, una vista de esa ciudad)
Porque Cernuda, si bien pertenece con pleno derecho a la Generación del Veintisiete, fue siempre una personalidad solitaria y dolorida, un alma sensible y vulnerable que reacciona con rebeldía al considerarse un ser marginal. Él mismo lo manifestó con estas palabras“una constante de mi vida ha sido actuar por reacción contra el medio donde me hallaba”, actitud que lo convertía en “un inadaptado con cierta vena protestante y rebelde”.
Y es que la originalidad del lírico sevillano dentro del Grupo Poético del Veintisiete se aprecia desde el inicio mismo de éste: mientras todos los miembros expresan una común admiración por GóngoraCernuda preferirá siempre aGarcilaso de la Vega. En este sentido, uno de sus primeros libros, ‘Égloga, elegía y oda’, constituyen un homenaje al gran poeta renacentista. Por supuesto, ello no significa que el autor de ‘Ocnos’ se encuentre al margen del citadoGrupo: son muchos los elementos líricos y humanos comunes con sus compañeros de generación y pertenece indiscutiblemente a ella. Lo que ocurre es que todo autor debe saber mantener su propia independencia creadora. No en balde, es, junto al citado Salinas, el gran poeta del amor dentro del Veintisiete.

A partir de 1936, Cernuda agrupó sus libros bajo un título general: ‘La realidad y el deseo’ y ello no es una casualidad porque, probablemente, estos dos conceptos expresan el gran conflicto de su vida y, en consecuencia, de su lírica. Toda ella presenta un eje temático: el amargo choque entre su ansia de realización personal (el deseo) y los límites que el mundo real le impone para lograrlo (la realidad). Se trata de una frustración parecida a la que, un siglo antes, expresaban los poetas románticos.
En consecuencia, sus temas predilectos son la soledad, el anhelo de un mundo más humano y de belleza y, por supuesto, el amor. Y todo ello revestido de un estilo poético muy personal caracterizado por la sencillez. PorqueCernuda huye del léxico brillante para mostrar siempre un lenguaje coloquial y sus composiciones acostumbran acarecer de rima, a lo que se añade su predilección por el versículo largo.
Luis Cernuda escribió 'Ocnos' durante su estancia en la Universidad de Glasgow (en la foto)
Luis Cernuda escribió 'Ocnos' durante su estancia en la Universidad de Glasgow (en la foto)
Claro que todo ello es apreciable en sus obras de madurez. Anteriormente, se vio influido por las tendencias de su tiempo. A las enseñanzas de Juan Ramón Jiménez responde ‘Perfil del aire’ y a las del Surrealismo‘Un río, un amor’ o ‘Los placeres prohibidos’. Sin embargo, a partir de ‘Donde habite el olvido’ ya se aprecia un tono máspersonal. Este libro, cuyo título se inspira en un verso de Bécquer (otro de sus grandes maestros), se compone de poemas desolados y está presidido por una desgarrada sinceridad que, más tarde, produciría a Cernuda cierto“rubor y humillación”.
Por su parte, ‘Ocnos’ fue escrito durante la estancia del poeta en Escocia, concretamente como profesor en laUniversidad de Glasgow. Exiliado a causa de la Guerra Civil en aquel lugar brumoso, alejado del brillo meridional de su Sevillarecuerda a su familia y evoca los paisajes de su infancia en la ciudad del Guadalquivir. Esta primera edición contenía treinta y un poemas en prosa que, posteriormente, iría aumentando con nuevos textos añadidos hasta alcanzar los más de sesenta de la tirada de 1963. Se trata de una obra enormemente nostálgica en la que laexacerbada sensibilidad de Cernuda se muestra con un lenguaje bellísimo

lunes, 28 de mayo de 2012

Gregorio Marañón, un espíritu del Renacimiento por Luis Martínez González


El pasado día diecinueve se cumplieron ciento veinticinco años desde que naciera



Cuando los sesudos pedagogos señalan como útil para la educación de los jóvenes elegir entre Ciencias o Letras, probablemente no saben el craso error que están cometiendo. El saber no puede dividirse en compartimentos estancos y todas las disciplinas, desde las Matemáticas hasta la Música pasando por el Deporte, son necesarias para una completa formación intelectual y humana.

Es algo que ya sabían los hombres del Renacimiento –el mejor ejemplo es Leonardo da Vinci- y, como ellos parecía opinar el escritor Gregorio Marañón y Posadillo (Madrid, 1887-1960), de cuyo nacimiento se cumplieron el pasado diecinueve de mayo ciento veinticinco años, aunque, como casi siempre, pasara desapercibido.

Gregorio Marañón fue académico de cinco de las ocho Reales Academias que existen en España. Entre ellas, de la de la Lengua (en la foto)
Gregorio Marañón fue académico de cinco
de las ocho Reales Academias que existen en España.
Entre ellas, de la de la Lengua (en la foto).


Hombre culto, eminente médico, historiador y excelente prosista, Marañón pertenecía a la llamada Generación de 1914 o Novecentista, la misma de Ortega y Gasset y una de las mejor formadas de la Historia de España, pues muchos de sus integrantes habían gozado de becas para estudiar en prestigiosas universidades extranjeras. Personifica, por tanto, Marañón el ideal renacentista del Humanismo, que propugnaba la formación integral del individuo y que procede a su vez del antropocentrismo de aquella época. Éste consideraba al Hombre como centro del Universo y capaz de cultivar todas las ramas del saber, al tiempo que a todas éstas como imprescindibles para conseguir un adecuado desarrollo intelectual. Fue, en suma, el ilustre doctor  uno de los más prestigiosos pensadores de la España del siglo XX.

Por otra parte, una de sus mejores contribuciones literarias es el podríamos calificar como “ensayo biológico”, un  subgénero ensayístico creado por él dado su carácter de médico. Consistía en analizar la conducta de personajes históricos e incluso literarios a la luz de sus rasgos fisiopatológicos y psíquicos. Así, nos ha brindado inmejorables retratos del Conde Duque de Olivares, valido del Rey Felipe IV, de Antonio Pérez, traidor a la Corona de Castilla o del Emperador romano Tiberio.

Pero, en este sentido, quizá su obra más interesante sea la dedicada a don Juan Tenorio, que constituye una de las más originales visiones que se hayan dado del personaje de José Zorrilla. Fue, en suma, Marañón un intelectual de primera fila, uno de los pocos que ha conseguido ser académico de cinco de las ocho Reales Academias que existen en España (lo fue de la de la Lengua, de la de Medicina, de la de Historia, de la de Bellas Artes y de la de Ciencias Exactas, Físicas y Naturales). Sin duda, su figura requeriría mayor atención por parte de las autoridades de la Cultura.

Fuente: Fundación Gregorio Marañón.

domingo, 1 de abril de 2012

Antonio Machado y Baeza (1912-2012): Cien años de un encuentro


Antonio Machado y Baeza. 1912-2012.

Gracias a mi compañera Esmeralda Casado ha llegado a mis manos esta web, absolutamente recomendable, cuya presentación inserto a continuación. También es de ley difundir el trabajo premiado con el tercer premio (primero y segundo desiertos) del I Concurso de Cortos Antonio Machado y Baeza, de la joven María Dolores López, con el título de Buscando a Leonor.

El año 2012 se cumplen cien años del encuentro de Antonio Machado con Baeza y de esa ciudad con el poeta o, lo que es lo mismo, cien años de su vuelta a Andalucía tras su estancia familiar en Madrid, sus viajes a París y sus años de profesor en el Instituto de Soria. Dada la importancia que la estancia del poeta tuvo para la poesía española, esta convencional circunstancia se va a convertir en una fiesta de la cultura y en ocasión de celebración del poeta, de su encuentro con la ciudad y de su inagotable obra. Para ello, el Ayuntamiento de Baeza, en colaboración con otras instituciones locales, universitarias, autonómicas y nacionales, ha decidido promover a través de una comisión ciudadana una serie de actividades con las que celebrar este centenario, procurar la difusión de la obra del poeta, muy especialmente entre nuevos lectores, además de cultivar su memoria dado que ha sido ejemplo y lección tanto en el dominio de la creación literaria como en el plano de su responsabilidad civil. Por otra parte, esta celebración resulta necesaria ya que la estancia de Antonio Machado en Baeza provocó en él uno de los periodos más fecundos y profundos de su actividad literaria. El contacto con ese trozo andaluz de la realidad española dio como resultado una producción a todas luces importante, reconocida como tal por la generalidad de los críticos de Machado y, muy especialmente, por sus lectores.

Esta web da cuenta de todo lo que acontece en torno a esa celebración, así como de lo relacionado con el periodo baezano de la vida y obra del poeta de la palabra esencial en el tiempo.

domingo, 1 de enero de 2012

cuadernos del matemático, 20 años...



Película documental que celebra los 20 años de vida de esta prestigiosa revista donde se narra sus orígenes y el esforzado trabajo de sus creadores que han hecho de Cuadernos del Matemático una publicación de referencia en el panorama literario actual.

jueves, 29 de diciembre de 2011

Salamanca se volcará en 2012 con Unamuno


Salamanca se volcará en 2012 con el recuerdo de Miguel de Unamuno
Rocío Blázquez - Salamanca - ABC.es
«2012. Año de Unamuno». Bajo este epígrafe, las instituciones salmantinas y el Ayuntamiento de Bilbao, encabezadas por el Consistorio de Salamanca, desarrollarán durante el próximo año, coincidiendo con el 75 aniversario de su fallecimiento; un amplio programa de actividades centradas en homenajear a Miguel de Unamuno en sus múltiples y variadas facetas vinculadas a esta ciudad.
Unamuno rector de la Universidad de Salamanca, el Unamuno pensador, el escritor, el vecino que paseaba por sus calles y Plaza Mayor, el amante de la papiroflexia, el dramaturgo, el hombre comprometido políticamente, el defensor de ideales, el hombre de familia. Una compendio de facetas y registros que serán abordados en distintas actividades que comenzará el próximo 31 de diciembre coincidiendo con los actos de celebración del aniversario de su muerte en la capital castellana.
Salamanca se rinde así a «una de las personalidades más destacadas de la literatura española del siglo XX», según destacó ayer en la presentación del programa el alcalde de la ciudad, Alfonso Fernández Mañueco. Unamuno será el gran protagonista de la programación cultural de la capital salmantina con exposiciones, conciertos, obras de teatro, jornadas de análisis, rutas culturales y otras propuestas. En total, una treintena de actividades ya programadas.
El próximo sábado se inaugurará una exposición en el Ayuntamiento en la que se recordará a través de imágenes el proceso de creación del medallón que representa la efigie del autor de «La Tía Tula» en la Plaza Mayor de Salamanca. A la que se unirá en una fecha aún por determinar otra muestra desarrollada por la Filmoteca de Castilla y León sobre «Don Miguel de Unamuno. Una vida en fotografías». Tanto el Día del Libro, como la Feria Municipal del Libro, estarán en 2012 dedicadas al filósofo vasco.
El Instituto Castellano y Leonés de la Lengua promoverá una jornada de análisis sobre Unamuno exiliado. El XV Encuentro de Poetas Iberoamericanos también estará dedicado a su figura, mientras que la Fundación Salamanca Ciudad de Cultura y Saberes coproducirá la puesta en escena de la obra «Niebla» y la adaptación dramática de «Fedra»

sábado, 13 de agosto de 2011

ENTREVISTA: 25 AÑOS DE LA MUERTE DE BORGES MARÍA KODAMA

"Que digan que yo altero la obra de Borges no tiene perdón de Dios"

JUAN CRUZ 13/08/2011
La viuda del escritor recuerda su vida junto al autor de Ficciones y se defiende de los continuos ataques contra ella

Hay un libro, Atlas, que la editorial Sudamericana publicó con fotos en 1984, dos años antes de la muerte de Jorge Luis Borges, en el que el escritor ciego describe, con la colaboración de su mujer, María Kodama (Argentina, 1945), un viaje en globo. Es un libro simbólico, como todos los de Borges, pero en este caso, esa unión, que fue sentimental y literaria a partes iguales, entre él y Kodama queda sellada en la forma más borgiana posible: lo que vio, no viendo, gracias a ella. "En el grato decurso de nuestra residencia en la tierra", escribe Borges en el prólogo, "María Kodama y yo hemos recorrido y saboreado muchas regiones, que sugirieron muchas fotografías y muchos textos. (...) María Kodama y yo hemos compartido y con asombro", finaliza el autor de El Aleph, "el hallazgo de sonidos, de idiomas, de crepúsculos, de ciudades, de jardines y de personas, siempre distintas y únicas. Estas páginas querrían ser monumentos de esa larga aventura que prosigue". Veinticinco años más tarde ese libro sigue siendo como una metáfora y un testimonio a la vez. Lo evocamos con ella al tiempo que le preguntamos por su sentimiento ahora hacia el hombre al que vivió ligada casi desde que lo conoció, a los 12 años, cuando fue a escucharle dar una conferencia.
    "Su imaginación era su mirada. Las lecturas que había tenido eran sus ojos, su forma de ver era su manera de haber leído..."
    PREGUNTA. Veinticinco años desde que acabó el viaje físico, la cercanía con Borges. ¿Qué supone para usted este viaje?RESPUESTA. Borges entró en el gran mar, como llamaban a la muerte los florentinos. Lo que él me dio fue algo muy importante para una persona como yo, que era muy, muy tímida. Asistí a una conferencia. Yo tenía 12 años y la sala estaba colmada de gente. Vi a este señor que entraba y sentí que era tanto o más tímido que yo y ahí pensé que yo podía acercarme, aprender, él me podría enseñar... Pensé: "Si este señor puede hablar delante de toda esta gente yo también voy a poder dar un día una clase". Lo que me dio, y me siguió dando, fue la convicción de que era posible realizar mi vocación, enseñar, hacer lo que verdaderamente quería hacer.

    P. Ese viaje ha seguido después de su muerte. Pero, ¿cómo fue en vida?R. Fui descubriendo su pasión por la literatura, su pasión por los idiomas, que compartíamos... Y fue maravilloso compartir también la pasión por las artes... Él decía que mi padre me había educado para él, porque me había llevado a los museos, me regalaba libros de arte apenas tuve uso de razón... Y Borges conocía bien los museos desde los tiempos en que estuvo en Europa. Él y yo rehicimos ese larguísimo viaje que en realidad fue nuestra vida alrededor del mundo, yendo a los lugares donde él había estado antes, ante los cuadros que él recordaba, rememorando escenas de obras que él había visto... Era maravilloso redescubrir su mundo, hacerlo mío mientras hacíamos este largo viaje que fue la vida con él.

    P. Usted fue los ojos de Borges para la literatura.R. Estudiamos primero anglosajón, después empecé a leerle en inglés y luego él me enseño a pronunciar en alemán para poder leerle en esa lengua. Por la mañana, Borges dictaba a la persona que llegaba, un periodista o un estudiante, y por la tarde él y yo releíamos eso que él había dictado. Él lo iba puliendo, era un fascinante proceso que cada día fue más acentuado, más productivo, más cercano.

    P. Ese viaje en globo. ¿Cómo asumía él esa aventura intensa pero paradójica?R. Con entusiasmo... Un día yo estaba buscando otra cosa en una guía telefónica y encontré una entrada que decía: "Viajes en globo. Compañías". Se lo comenté e inmediatamente él evocó a Julio Verne. Su imaginación era su mirada, sus ojos, las lecturas que había tenido eran sus ojos, su forma de ver era su manera de haber leído... Así que un viaje en globo entonces no era paradójico, no, era su modo de cumplir sueños.

    P. ¿Hubo algún límite a su curiosidad?R. No. Yo jamás lo consideré a él una persona muy mayor o una persona que no veía, es decir, ciega; para mí justamente era lo contrario. Cuando yo tenía 16 años, él tenía 18 para mí: Borges era la compañía para la diversión, para la aventura. Era totalmente diferente a esa imagen que han dado siempre de él. También podía dar esa imagen que se tiene de él cuando está en público, con otros, pero Borges era verdaderamente otro cuando estaba en la intimidad.

    P. ¿Cómo asumió él los últimos tiempos?R. Con un espíritu magnífico. Él sabía que se iba a morir. Pero aceptó una gira por Italia. Estuvimos allí antes de ir a Ginebra, y vivimos un tiempo muy gozoso, era una compañía magnífica y lo pasamos muy bien... Vivimos una vida plena, a pesar de todo lo que dice gente que vive difamándome, ¿no es cierto?, gente que ha trazado toda una atmósfera siniestra en torno a mi persona de una manera verdaderamente vergonzosa. Esas difamaciones de las que le llegaron ecos sí lo mortificaron en sus últimos tiempos... Pero, bueno, toda esa gente quedó destruida a través de los juicios que he hecho en los que, por supuesto, no pudieron probar las cosas absurdas de mí o de mi comportamiento con respecto a él... Él era una persona libre que me eligió; sé que eso ha dado muchísimo fastidio, pero no fastidio por amor, es fastidio por avidez, fastidio por deseo de notoriedad, fastidio porque quieren ser él y no pueden serlo, no llegan a serlo, nadie va a llegar a serlo.

    P. Esa atmósfera que describe le afectaba ya en los tiempos de Borges, pero ahora es más explícita mostrando su desagrado. ¿Cómo ha cambiado?R. Bueno, he cambiado gracias a mi abogado francés, porque mis amigos me decían prácticamente lo mismo pero desde el cariño y la amistad. Pero el abogado francés me hizo ver, y me lo dijo de una manera muy dura y muy cruda, que yo tenía que cambiar porque si yo dejaba que los otros hablaran, dejaba que personas totalmente espantosas que están con un proceso penal por estafas a la propiedad intelectual, personas despechadas... y yo no decía nada porque fui criada de otra manera... En fin. El abogado me hizo ver que yo tenía que cambiar y mis amigos están muy contentos porque dicen que estoy dejando de ser extraterrestre para convertirme en una persona humana y normal que reacciona y que dice las cosas cuando tiene que decirlas y me dicen que no las digo con la suficiente agresión, que necesito hacer salir la agresión.

    P. ¿Y cómo se siente en esa situación de terráquea que ha bajado del globo? ¿Cómo ve el mundo que tiene alrededor?R. Bueno, realmente por un lado lo veo maravilloso. Pero también hay esas barbaridades que uno lee en la prensa, por ejemplo en España... Los periódicos españoles realmente han sido excelentes conmigo, pero también hay algunas personas totalmente descastadas que dicen y hablan y escriben y no hacer honor al oficio de periodistas porque ni son periodistas... Pero yo dejo de lado eso, y así he logrado sobrevivir sin que me perturben, haciendo el trabajo que yo debo hacer que no es otro que el cuidado permanente de la obra de Borges. Así que yo dedico mi vida al cuidado de esa obra. Y si hay alguien que dice que yo altero esa obra no tiene perdón de Dios ni del demonio ni de nadie, y el mío tampoco lo va a tener.

    P. ¿Qué nos da a los lectores esa obra que usted cuida? ¿Qué metáfora encierra?R. La metáfora sería ese laberinto. Borges da a la gente que es sensible aunque no entienda intelectualmente su obra, a la gente que pueda sentir la belleza y la sutileza de sus sentimientos. Yo creo que Borges da eso y esa metáfora sería esa inauguración en Venecia, que fue realmente de una impresionante poesía. Esa es la contrapartida de toda esa bajeza que acabo de explicarle, y esa belleza es lo más importante para mí, es lo que me alimenta... Es una persona que jamás se traicionó a sí misma, jamás se vendió por nada. Y eso creo que para las nuevas generaciones es un faro, es una antorcha, es algo que no debe dejarse caer, y por eso su obra es inmortal. Trabaje o no trabaje yo en ella y tenga lo que dicen muchos ese purgatorio en que ya el escritor no está físicamente y queda como olvidado... Eso hubiera ocurrido con Borges, posiblemente, de no haber estado yo para que además de esa obra maravillosa se sienta una presencia digamos casi física de él en el mundo.

    P. Usted lo ha salvado del purgatorio.R. Lo he salvado del purgatorio... A él le encantaba Dante. Y me hablaba del infierno, del purgatorio y del paraíso en la obra de Dante. Y a veces decía que él prefería el infierno conmigo que el paraíso con Dios... Yo soy agnóstica, pero yo creo que hay ahí como una luz que dejó él, una energía, un punto en el espacio. Frente a las cosas viles, puedo bajar el yelmo, cubrirme, protegerme, salir adelante, porque al final de la ruta hay una luz o una energía y allí también yo me reencontraré con él.

    P. Usted decía que es la mitad de su alma. ¿Y cómo era el alma de Borges? ¿Cómo era Borges?P. Pues era divino porque estaba lleno de sentido del humor, era irónico, leíamos mucho, paseábamos y era una persona que estaba siempre dispuesta, de una humildad absoluta, los chóferes de taxi en Buenos Aires lo adoraban porque subía al taxi y les preguntaba: ¿la vida está cara?, por la familia, ¿cuántos hijos tiene?... Era una persona que entablaba fácil relación con la gente y esa era una relación desde un punto de vista digamos humano, muy lindo y de una humildad extraordinaria.

    P. ¿Usted tiene la impresión de que Borges sigue siendo en parte un desconocido?R. Él es conocido como si fuera un icono. Él decía: "A mí me conoce todo el mundo por las entrevistas, por lo que digo, por las polémicas que despierto, pero mi obra no la leen". Y, en general, el hecho de que hayan creído que ese poema Instantes es de Borges, ya eso demuestra que no han leído ni una línea de él. Pero al mismo tiempo hay todo un nivel de gente que estudia literatura, que ha leído toda su vida y que tiene un real entusiasmo en la obra de Borges. Lo que sucede también es que no hay un criterio para hacer que los chicos entren en su lectura, entonces eligen obras que son espléndidas, pero que como estilo y vocabulario no pueden estar al nivel de chicos que tienen 14 años y nunca han leído.

    sábado, 16 de julio de 2011

    Secretos de Hemingway

    El escritor, Ernest Hemingway- HELEN PIERCE BREAKER (ERNEST HEMINGWAY PHOTOGRAPH COLLECTION JOHN FITZGERALD KENNEDY LIBRARY BOSTON)


    COLM TÓIBÍN 16/07/2011 - El País



    El autor de El viejo y el mar dedicó su vida literaria a la búsqueda de la emoción a través de una prosa aparentemente sencilla. "Quería escribir como pintaba Cézanne", escribió el Nobel estadounidense. En el cincuentenario de su muerte, se reeditan sus obras.



    En un fragmento eliminado de su relato El gran río de los dos corazones, Ernest Hemingway escribía a propósito de su alter ego: "Quería escribir como pintaba Cézanne. Cézanne empezaba por emplear todos los trucos. Luego lo descomponía todo y construía la obra de verdad. Era un infierno... Quería... escribir sobre el campo de forma que quedase plasmado como había conseguido Cézanne con su pintura... Le parecía casi un deber sagrado". En su remembranza de sus primeros años en París, París era una fiesta, Hemingway escribió también sobre la influencia que había tenido en él el pintor francés cuando estaba aprendiendo su oficio: "Estaba aprendiendo de la pintura de Cézanne algo que hacía que escribir simples frases verdaderas no fuera suficiente, ni mucho menos, para dar a los relatos las dimensiones que yo quería darles. No sabía expresarme lo bastante bien como para explicárselo a nadie. Además, era un secreto".

    Ernest Hemingway, en una imagen de 1944, durante su etapa de corresponsal en la Segunda Guerra Mundial.- HULTON-DEUTSCH COLLECTION / CORBIS




    La idea de que, al escribir prosa, lo que se deja fuera es más importante que lo que se incluye inspiró de forma esencial el método de Hemingway

    El secreto estaba en las pinceladas de Cézanne, cada una abierta y de textura visible, con repeticiones y variaciones sutiles, cada una llena de algo parecido a la emoción, pero una emoción profundamente controlada. Cada pincelada trataba de captar la mirada y retenerla y, al mismo tiempo, construir una obra más amplia, en la que había riqueza y densidad, pero también mucho de misterioso y oculto. Eso es lo que Hemingway quería hacer con sus frases. Después de contemplar la obra de Cézanne por primera vez en Chicago, luego en los museos de París y en casa de su amiga Gertrude Stein, lo que deseaba era seguir el ejemplo de esta última y escribir frases y párrafos a primera vista simples, llenos de repeticiones y variaciones extrañas, cargados de una especie de electricidad oculta, llenos de una emoción que el lector no podía encontrar en las propias palabras, porque parecía vivir en el espacio entre ellas o en los repentinos finales de algunos párrafos determinados.



    Así, en París era una fiesta, Hemingway pudo escribir: "Pero París era una ciudad muy antigua y nosotros éramos jóvenes y nada era fácil, ni siquiera la pobreza, ni el dinero repentino, ni la luz de la luna, ni el bien y el mal, ni la respiración de la persona que yacía junto a ti bajo la luna". En esa frase consigue manifestar muy poco pero sugerir mucho; en el original inglés, de las 41 palabras, 27 son monosílabas. Eso hace que el lector se sienta cómodo, como si se estuviera diciendo algo sencillo. Sin embargo, está claro, por la puntuación y las variaciones de la redacción, que nada era fácil, sino que era, en gran parte, ambiguo y casi doloroso. En vez de decirlo, Hemingway logra ofrecer la impresión, alivia al lector con la dicción pero luego le sacude con los cambios de tono y significado dentro de cada oración.



    La teoría es dejar que el escritor sienta y plasme ese sentimiento en la prosa, lo entierre en los espacios en blanco entre las palabras o entre los párrafos. Así el lector lo siente con más intensidad, porque no le llega como mera información, sino como algo mucho más poderoso. Le llega como ritmo, y le llega con tanta sutileza que la imaginación del lector se dedica por completo a capturarlo con toda su incertidumbre y su peculiaridad. Es decir, tiene un efecto más próximo al de la música, aunque las palabras conservan su significado. Contrapone la estabilidad de significado al misterio del sonido silencioso.



    Esta idea de que, al escribir prosa, lo que se deja fuera es más importante que lo que se incluye inspiró de forma esencial el método de Hemingway como novelista y autor de relatos, hasta tal punto que algunas de sus obras posteriores parecen parodias de ese método, o una elaboración demasiado abierta del sistema que había desarrollado. Ahora bien, en sus mejores ejemplos, el sistema podía obrar milagros.



    Hace unos años, cuando trabajaba en la biblioteca de la Universidad de Virginia, encontré un guión cinematográfico de la primera novela de Hemingway, Fiesta, escrito por un guionista profesional al que odiaba. En los márgenes hay insultos escritos por el novelista, al que indignó especialmente que el guionista tratase de insinuar que Jake, el protagonista de la novela, era impotente debido a causas psicológicas. Hemingway explicó de manera enfática que a Jake le habían disparado en los testículos durante la guerra, un suceso que, según escribió, él había visto producirse en varias ocasiones.



    Sin embargo, en el propio texto de la novela no lo deja claro. Aunque está implícito, también nos deja margen para creer que Jake tiene algún problema psicosexual que le hace impotente. Tal vez ocurrió en la guerra, se sugiere, pero quizá fue psicológico.



    La novela transcurre en el tiempo presente. Nos ofrece pistas e insinuaciones sobre hechos del pasado, sobre quién es Jake y de dónde viene. Pero la mayor parte de su pasado se queda fuera, lo cual otorga profundidad a las acciones actuales. Tampoco hay una descripción de Jake, y eso significa que leer el libro es un intenso acto de imaginación, de llenar las lagunas, que queda reflejado en la propia prosa. La redacción, a primera vista, es sencilla, con cortas frases afirmativas. Hemingway quería conseguir en su obra lo que había conseguido Cézanne en sus cuadros, algo denso, que atrajera la mirada y la imaginación, empleando un método que parece dejar muchas cosas fuera y una técnica que parece abierta y sencilla, pero con un resultado que puede contener no sólo una impresión, sino una cantidad infinita de emoción.



    Traducción de María Luisa Rodríguez Tapia. Colm Tóibín (Enniscorthy, Wexford, 1955) ha publicado recientemente en España la novela Brooklyn (Lumen y Amsterdam). The Empty Family (Viking / Scribner, 2010 / 2011. 288 páginas) es su último libro. www.colmtoibin.com.



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